Los autorretratos también han servido para representar a ciertas comunidades, sociedades o algún tipo de cultura o momento histórico en general, pues las posibilidades que otorgan las artes visuales son numerosas.Un ejemplo de ello es la obra de Cindy Sherman, la cual trabaja con fotografías, repletas de estereotipos, reproduciendo objetos que son, a su vez, reproducciones. Su obra presenta imágenes que reconstruyen lo que ha sido o lo que es la mujer, mostrando claros atisbos eróticos. El objeto de deseo que estudia Freud, y que se vio reflejado en el surrealismo, permite desarrollar una producción en Sherman, en virtud de un problema discursivo. De forma constante, nos hallamos frente a soluciones formales producto de recetas estandarizadas: la fotografía de película y su sugestión anecdótica o la fotografía publicitaria, con su iluminación forzada y su formato impuesto por las necesidades del diseño de página. Además, Sherman se inscribe dentro de este estereotipo, siendo sus autorretratos los que vemos en la obra, proporcionándonos la idea de que ella no se manifiesta como una artista garante de una distancia crítica en relación al mundo que se halla frente a ella, sino que pertenece a él.

Si recordamos la vieja leyenda de Butades, donde la hija de este alfarero se enamora de un hombre que viajaba al extranjero, y para contener su imagen delinea su sombra proyectada por la luz de una vela en el muro, podemos atribuir a este origen de la pintura del que habla Plinio el Viejo en su texto “Historia Natural”, un sentido que podría tener que ver con el mismo sentido que se le da al origen del autorretrato; la nostalgia. La diferencia es que al origen del autorretrato se le suma un sentido egocéntrico llamado narcisismo. El mito relata cómo Narciso se enamora de su propio reflejo, en su propia imagen reflejada sobre la superficie tranquila del agua de una fuente. Sin embargo, la entrega narcisista al propio yo, guarda en sí misma el hecho de lo no cumplido, pues el retrato sigue siendo una ilusión, existiendo únicamente como imagen sobre la superficie del agua, pero al instante en que una brisa rompa la quietud de ella el rostro reflejado se desvanece, desapareciendo con ello el objeto de amor y quedando presente solo la nostalgia de la imagen.
En este afán por poseer la imagen es que muchos artistas han intentado representarse a sí mismos por medio de diferentes métodos de producción, construyendo su rostro y cuerpo como elementos constitutivos de su ser. Sin embargo, hoy en día este ejercicio se ha ido desplazando a otros territorios gracias a los avances de la tecnología, siendo el autorretrato un género propio de la sociedad y no solamente de los artistas....

este todavia no esta terminado, falta la mano en la cadera.... pero me agrada la simpleza, limpieza y tal vez, sutileza que genera la imagen sin fondo.... el personaje adquiere mayor presencia...

El segundo dibujo de la serie de retratos.... vamos de a poco.

Este ultimo tiempo he estado trabajando la misma idea de retrato, pero bajo algunos cambios de perspectiva grafica, me he paseado por diferentes lugares en busca de lo que signifique mayor coherencia y sustento en la obra. En este sentido fue indispensable reformular la manera en que venía trabajando los rostros, pues lo que se pretendía hacer en el trabajo, era lograr reflexión visual a partir de un contrapunto entre la imágen digital y el dibujo, lo que de alguna forma no estaba dando resultado, pues las características del proceso de las imágenes que yo tome como referencia, eran muy similares a las características del proceso del dibujo que venía realizando, por lo cual fue necesario cambiar de estrategia. De esta forma, el dibujo más académico se instala como una manera de contraponer ciertos rasgos en la imágen, lo que finalmente produce la tensión que necesitaba.
Si bien, el dibujo a lo lejos parece bastante académico, generando una mirada directa al modelo, al acercarse la lectura se torna diferente, pues a una pequeña distancia, la imágen se evidencia como obra, con todos los recursos que ello implica.

Esta obra titulada Retratos; Construcción de un Paradigma, pretende emplazar el retrato como una práctica recurrente en la historia de las Artes Visuales, pero que se encuentra fuertemente condicionada por el momento histórico en que aparece. Por lo tanto, hablar de retratos, implica también hablar de identidad, sociedad y cultura. En este sentido, la obra presenta 4 dibujos de gran formato, con imágenes que simulan la estética utilizada en la fotografía digital de autorretrato, la cual podemos revisar sin mayor dificultad al recorrer sitios de internet dedicados a las redes de comunicación social, como por ejemplo Fotolog. Si bien es cierto, el retrato y autorretrato se comporta diferente según el sitio en que se exhibe, la obra rescata la sintaxis más recurrente en menores de edad, la cual se torna preocupante muchas veces, tomando en cuenta que el modelo más usado es el erotismo.

Por otro lado, la obra pone en duda ciertas ideas de autenticidad a partir de la producción fotográfica exhibida en la red, proporcionando al espectador los recursos visuales necesarios para el cuestionamiento de ellas. Esta autenticidad, de la cual habla Heidegger en su texto Ser y Tiempo, tiene que ver con la manera en que el sujeto es capaz de relacionarse con los elementos que lo construyen como tal, sin dejarse llevar por la forma en que otros lo hacen, sino apropiándose de sí mismo primeramente, para luego poder comprenderse dentro del mundo en que se encuentra inserto. De esta forma, el dibujo de retrato, se emplaza como un conjunto de reflexiones visuales en torno a la construcción que hacemos de nosotros mismos, dejando en evidencia el comportamiento social en la era de las comunicaciones a la cual pertenecemos.

Daniela F. Cuadra
Licenciada en Artes Visuales

Con un 34,4% Chile se ubica entre los países con más usuarios de fotolog en el mundo, superando incluso a Argentina y Brasil, según el II Informe "Fenómeno Fotolog en Chile", desarrollado por Divergente S.A. y presentado por la Facultad de Ciencias Sociales de Universidad Central. Más información en www.fcsucentral.cl y www.divergente.cl

Los sitios con fotos personales revelan una tendencia de sexualidad y erotización precoz que va en aumento. El fenómeno es preferentemente femenino, de cada 10 usuarios, 7 son mujeres. La tecnología de fácil acceso facilita el fenómeno, tiene códigos estéticos propios y la publicidad tradicional tiene poco impacto en ellos.


Con un 34,4% los adolescentes y jóvenes de nuestro país lideran el número de registros en fotologs a nivel mundial, superando incluso a países como Argentina, Brasil y México, según el II Informe "Fenómeno Fotolog en Chile", presentado por Miguel Arias, académico de la Universidad Central e investigador responsable del estudio desarrollado por Divergente S.A. desde su unidad Consultoría e Investigación.

Fotolog es una página web gratuita que permite exponer fácilmente fotos personales en formato digital en Internet, las cuales se van ordenando por día, semana y mes. Dicho sitio permite la conexión con otros usuarios a través de comentarios (post) en los libros de visitas y a su vez formar una red de contactos o comunidad.

Hoy en día, el fotolog es un fenómeno social. En todo el Mundo ya existen varios proveedores de estos sitios web, y entre los más importantes (por la cantidad de usuarios registrados) están: fotolog.com, que lidera con un 62,2%, fotolog.terra.ar con un 10,6%; y fotolog.terra.br y flogbrasil.terra.com.br con un 8,1%; le siguen fotolog.cl (3,8%), fotolog.terra.cl (2,9%) y fotolog.chile.cl (03%).

Pero la sorpresa es mayor cuando vemos que el mayor porcentaje de usuarios de fotolog.com está conformado por chilenos. Nuestro país lidera los registros con un 34,4%; Argentina con un 22%; Brasil, 16,3%; México, 10,9%; Japón, 0,5%; España, 7,3%; y China un 0,1%.

En Chile, la plataforma fotolog es usada principalmente por adolescentes y jóvenes. Los usuarios de 12 a 17 años presentan un 60%, los de 18 a 29 un 20% y los menores de 12 años, un 3%. Entre estos últimos se encuentran los niños de 10 años que tienen fotolog propio, fotologs de los padres que exponen fotos de sus hijos, y jóvenes o adultos jóvenes que tienen un fotolog, en cuyas fotos incluyen también a primos y/o sobrinos menores.

A juicio del académico de la Escuela de Psicología de la Universidad Central Miguel Arias, "la plataforma fotolog está siendo usada en la construcción de identidad, a través de los códigos de los jóvenes. Para ellos es muy importante poder compartir estos códigos y participar del proceso, de lo contrario quedan fuera lo que es vivido con rabia, indefensión y distancia con respecto a sus pares. Es un fenómeno social juvenil que debemos estudiar, como en algún momento lo fue el Rock”, explica el docente.

Y es que el fenómeno permite la expresión de las tribus urbanas, como lo son los punkies, góticos, emos, veganos, por nombrar algunos, donde los adolescentes quieren pertenecer a un grupo y necesitan mantenerse en él.

Dichos códigos se refieren a la manera en que los adolescentes se comunican a través del sitio que contiene sus fotos. Las abreviaturas de palabras, omisión de letras, palabras en diminutivo, entre otros aspectos, son muy importantes para ellos porque conforman su lenguaje común. Quienes no comprenden dichos códigos quedan fuera y no pueden interactuar porque no tienen nada de qué hablar, no existe un sentido común con el usuario de fotolog.

Según Arias, este fenómeno social va a seguir su curso y por ello es importante poner atención en cómo la sexualidad y el desarrollo humano tiene que ver con los códigos de los jóvenes. "Si somos capaces de superar la brecha, de mirar, comprender, estudiar, es posible que podamos generar elementos que nos permitan incluso ocupar esta plataforma como elemento de prevención", sostiene el autor del estudio.

Erotización Publicada Online

Un resultado importante que arrojó el informe es el alto porcentaje de sexualidad y erotización precoz que reflejan los fotologs, una tendencia que va en aumento. Según el estudio esto está marcado por la feminización del fenómeno, ya que de cada 10 usuarios, 7 son mujeres.

“Ya no tenemos un adulto, padre o madre, que pueda prohibir ciertas actitudes y protegerlos, la tendencia ahora es al autocontrol, el autocuidado, ayudar a generar conciencia de qué efectos pueden producir las imágenes que exponen en la web, de modo que cada uno ponga sus propios límites de protección”, explica Miguel Arias.

No siempre los jóvenes tienen conciencia de que se trata de contenidos abiertos a cualquiera que tenga un computador, en todo el mundo, y que por lo tanto se enfrentan a riesgos grandes. Sobre las medidas de prevención, Jaime Yánez, director del Centro de Atención Psicológica y Estudios, Capse, de la Universidad Central, señala: “Se trata de saber qué hacen nuestras personas más queridas, que son nuestros hijos. Protegerlos a través de la creación de lazos de confianza. Siempre se habla de la importancia de la comunicación y es cierto, aunque no es algo fácil, no se trata sólo de preguntarles qué hicieron en la tarde, sino de hacer actividades en conjunto, incluso tener un fotolog en conjunto, por ejemplo”, explica el psicólogo de la Universidad Central.


Así es cómo, Divergente lanzó la campaña Cuida_T Publicidad Responsable, que invita a los jóvenes a crear sus propios anuncios de autocuidado. La campaña ha logrado gran masividad, saltando del fotolog de Divergente a los de los jóvenes.

“Son verdaderos afiches publicitarios, que realizan ellos mismos gracias a la masificación y simplificación de la tecnología”, apunta César Onell, director ejecutivo de Divergente IDEAS y experto en tecnología.

“Ahora, el sujeto fotográfico es lo que importa, a través de la producción de sus propias imágenes. El primer paso es el autodisparo, sacando las fotografías a la distancia del brazo, luego vienen las tomas automáticas ubicando la cámara en un soporte que permite tener un mayor ángulo, distancia y realizar la producción de escenas más completas, y finalmente la postproducción o fotoshop, que se ha masificado a tal punto que se usa como un verbo, fotoshopear, más que para referirse a un programa específico de edición de imágenes”, agrega Onell.

Los jóvenes van creando imágenes de gran calidad y de alguna manera se presentan como una marca, algunos incluso crean logos, ropa de esa marca, etc. es un fenómeno muy fuerte.

“En la tecnología, los jóvenes tienen una herramienta potentísima para esta etapa que se caracteriza por la exploración, comenzando de su propia identidad”, señala Jaime Yáñez, Psicólogo director del Capse de Psicología de la Universidad Central, quien comentó el estudio.

El estudio sostiene que lo importante es la experiencia de cambio que viven los adolescentes (usuarios), una experiencia que no viven ni los diseñadores de procesos y plataformas ni los adultos.

El estudio surge desde el programa “Observatorio del Usuario” / ODU de Divergente S.A., el cual será complementado desde el factor psicológico y clínico por el CAPSE (Centro de Atención Psicológica y Estudios) de la Escuela de Psicología de la Universidad Central. La Consultora, comienza ahora la fase 2.5 del estudio, que abordará los códigos usados en estos fotologs, los cuales serán presentados con la ayuda de los propios jóvenes.

Esto porque, "el desafío es poder calibrar el mensaje desde los canales de los usuarios, y no es simple, hay que dar tiempo. Mientras, debemos reflexionar sobre esta realidad que a nosotros nos parece muy interesante y que a muchos les parece algo muy lejano. Si las universidades, el mercado, las familias, comprenden esto probablemente nos podemos acercar a ellos, si no, vamos a sentir que estamos cada vez más lejos", concluye Miguel Arias, académico de la Universidad Central y autor del estudio de la consultora Divergente.

"El "yo" desde el sí mismo no puede aprehenderse. Es en la mirada ajena donde el ser encuentra un paraje de realización conclusiva. "Es que cada momento dado, por más cerca que se ubique frente a mí el otro, que es contemplado por mí, siempre voy a ver y a saber algo que él desde su lugar y frente a mí, no puede ver (...)"

Bajtin, Mijail. Estética de la creación verbal. México: Ed. Siglo XXI, 1982, p.28.

El retrato es, por tanto, el espacio en el que el sujeto se contempla tras haber sido contemplado.

Ejercicios de pequeño formato en tinta china, analizan y reflexionan en torno a la fotografía digital y los posibles quiebres que podrían producirse mediante el tratamiento análogo de la imagen.

"El grabador alemán Horst Janssen (1929-1995) fue un grande de su especialidad. Como gran parte de los creadores con raptos de inspiración acentuados prefirió la concentración de las dimensiones pequeñas. Puso su talento al servicio de una sensibilidad romántica en el fondo y expresionista en la forma.

La intensidad de sus pasiones no le impidió desarrollar los refinamientos técnicos más notables. "El enemigo más virulento" de cuantos tuvo (el alcohol) lo atacó repetidamente, pero le permitió saber que la falta de paciencia tiene un precio y que no es posible trabajar sin reflexión."

Janssen entiende el rostro y la piel de una manera particular, trabajadas con tendencias expresionistas dan cuenta de una realidad que trasciende la superficie, abocándose en lo subjetivo y reflexivo de la carne. Es precisamente este punto el que se contrapone al discurso visual que generan las imágenes extraídas de Fotolog en la entrada anterior y el cruce que se pretende realizar en el trabajo de taller.

Se agruparon las fotografías extraídas de Fotolog en 8 modelos diferentes pero que presentan la misma finalidad, Seducir. Finalmente se dejaron 6 como las más representativas del sitio y que responden a ideas de identidad junto con un discurso claro de tendencia erótica.
Estas imágenes pasan a ser el referente utilizado a la hora de realizar un registro fotográfico propio.

Intentos fallidos que van delimitando el territorio de trabajo, primeramente se manifiestan como un error, ya que al momento de producirse se descartan, pero luego pasan a ser indispensables en la búsqueda de un trabajo definitivo.

En este caso, las 2 imágenes corresponden a momentos en que he tomado decisiones determinantes; por un lado, dejar de hacer simples reproducciones de fotografías extraídas de la red y entregarme de lleno a lo que significa la producción de imagen desde su origen, lo que implica convertirme además, en autora del registro fotográfico. Por otro lado, a definir lo que vendrá a ser el objeto de estudio. En este caso se ha optado por dejar de lado los referentes del sitio web Facebook, para concentrar la mirada en lo que sucede en Fotolog, ya que es ahí donde se presenta de manera más clara el fenómeno social al que se pretende hacer alusión en esta obra.

Existen sitios de redes sociales masivas, donde el rostro cobra un importante protagonismo, por ejemplo Fotolog, Facebook y Flickr, permitiéndo realizar una sintáxis visual y generar desde ahí un estándar. Estas características observadas son llevadas a un plano visual absolutamente distinto, generando un contrapunto entre éstos dos tipos de visualidad. A grandes razgos tenemos; por un lado, la imágen digital, realizada mediante un proceso relativamente corto, en un formato que no supera los 20 x 15 cms. Por otro lado está el dibujo, tratamiento análogo y efectuado mediante un proceso largo y reflexivo, a gran escala. Si analizamos en detalle las características puestas en contraposición, entendemos que el trabajo emplaza al retrato buscando generar reflexiones en torno a la imágen que ofrecemos de nosotros mismos a un público masivo y cuestionar ideas de identidad sentidas a partir de éstas.

En este intento, ya se puede ver la idea del trabajo, al menos tengo el formato, la línea y el tipo de fotografía como referente... estoy satisfecha con las pruebas, ahora empieza lo bueno!!...

Este trabajo me interesa por el enfrentamiento al cambio de formato, nada más. En los siguientes intentaré realizar un dibujo que se inscriba como tal y no en este territorio extraño... debe ser por que no cumplió con los requisitos que necesitaba para mi investigación... quiero mas línea, mas simpleza tal vez... mas diferencias de materia, aca esta todo igual y no lo es.

El proceso de producción de una obra implica ciertos elementos como los materiales, mano de obra, tecnología, estudios, pruebas empíricas etc. El resultado de dicho proceso viene a ser el producto, es decir la obra visual. Ahora bien, existen exposiciones donde la obra que se presenta consiste en el resultado final de todo un proceso investigativo, como el producto que se buscaba obtener. Pero también existen muestras, donde lo que se expone como obra no es precisamente el resultado de un estudio, sino mas bien el registro de todos los sucesos que acontecieron antes de llegar al producto final.

A mediados de los años 60, en Estados Unidos y Europa nace un movimiento artístico llamado Arte Procesual o arte en Proceso, el cual se interesa por el hacer real, que nace de una motivación racional e intencional. Este movimiento tiene sus raíces en la pintura de Jackson Pollock, característica por el goteo y el uso del azar controlado como recurso estético, donde la obra no es tanto el resultado de una organización formal de los materiales sino la presentación espontánea del acontecimiento donde se origina la imagen. De esta manera, el arte pasa a transformarse en el lugar donde el productor obtiene un conocimiento del mundo que lo rodea, gracias a la relación directa de pensamiento y acción.

Ahora, si pensamos directamente en dicho proceso, cabría preguntarse por su metodología y planteamientos, por que hablar de procesos no quiere decir que solo exista uno, sino que engloba diferentes procedimientos que los artistas emplean para llevar a cabo una propuesta plástica, y respecto a esto es que necesitamos saber ¿cuál es la manera más apropiada de embarcarse en un trabajo visual?, ¿existe realmente una manera adecuada para realizar una investigación en torno a lo estético? ¿o mas bien se trata de un proceso intuitivo y libre?. Bien, una de las metodologías que se enseña en las academias artísticas consiste en primer lugar, en la observación del entorno, ya sea directo o indirecto, es decir, esta observación puede contemplar cualquier aspecto de la realidad a la que el artista tenga acceso de investigación, la cual no necesariamente debe encontrarse vinculada a su persona. En segundo lugar, se identifica un fenómeno, anomalía o problemática a la cual se da importancia analizando todas sus características. Luego de una exhaustiva investigación del caso, se procede a representar visualmente su comportamiento, no con el fin de dar solución a un problema, sino que a través del lenguaje visual se busca dejar en evidencia las reflexiones antes realizadas. Ahora bien, eso no quiere decir que no existan artistas que intenten solucionar problemas que atañen a su entorno y que además persigan otros objetivos o que no deban hacerlo, solo digo que el arte, a diferencia de otras disciplinas, no tiene la obligación de dar solución a una interrogante.

Por otro lado, hay procedimientos que son absolutamente a la inversa, primero se ordenan los elementos visuales de una determinada manera, se trabaja en lo práctico hasta acabar la labor y luego se intenta justificar lo realizado mediante la investigación de temas que tengan relación con el resultado visual. Lo cual se transforma, muchas veces, en una metodología de doble filo, ya que la obra tiende a evidenciar una suerte de excusa en su “fundamento” teórico y no se muestra en estrecha relación con las reflexiones planteadas en el discurso.

Sin embargo, hay procedimientos que mezclan ambas formas de trabajar, esto quiere decir, que dan importancia tanto a la investigación teórica como a la parte visual y el proceso consiste en ir realizando las dos actividades al mismo tiempo. De esta forma, el resultado final se comporta de una manera más natural a la hora de analizar su coherencia teórica y práctica, ya que ambas no fueron realizadas bajo tensión sino de manera espontánea a medida que se iba avanzando en el proyecto. En este caso podríamos citar a Benjamín Lira en una entrevista que le realizó Edward Shaw, donde le pregunta por sus intenciones y el responde: “Creo que mi obra está articulada por una búsqueda constante que se revela en representar los múltiples rostros de la condición humana. El proceso en mí es más intuitivo que racional. Muchas de las imágenes en mi trabajo nacen solas y van tomando su forma o formato en el momento en el que resultan ser. El proceso en sí crece intuitivamente. Si uno estudia las 66 cabezas que he hecho, puede ver rasgos de cambio. No es un camino directo; a veces retomo ideas anteriores, a veces el material mismo dicta una variante. No respondo a ningún plan maestro.”(1) Si bien, Benjamín no responde a ningún plan maestro, se encamina en el proyecto reflexionando y trabajando a la vez, intuitivamente pero controlando y teniendo claros cuales son sus objetivos en el trabajo.

De esta forma, entendemos que el arte se transforma en un canal, el portavoz de nuestras ideas, que necesita tanto de la investigación y reflexión como de la práctica de sus recursos formales, siendo este, un tema que provoca controversias, tanto en las personas que se dedican a la crítica de arte como en los que lo ejercen, ya que cada manera de proceder en los proyectos tiene sus pro y sus contra. Sin embargo, pareciera ser, guiándonos por la experiencia de distintos artistas, que la manera más adecuada, aún entendiendo que podrían existir muchas y que cada artista elige la que más le acomode, sería el trabajo constante tanto de la parte visual como la investigativa, incluso podríamos decir que mediante el trabajo práctico mayor al investigativo pero no superior al reflexivo, se podría llegar a resultados plásticos tan interesantes como los que podría provocar una profunda investigación filosófica.

(1) “El Ojo de la Mano y la Mano del Fuego” por el periodista Edward Shaw en la Página Web www.blira.com (http://www.blira.com/entrevista.php?carpeta=entrevista)

Parte de lo que fue la evaluación de ayer en el taller de Propuestas Visuales, en la foto era el turno de la Patsy y su "corrección", lo digo así entre comillas, por que en realidad no se hasta qué punto se puede llamar de esa manera, cada uno tiene ideas distintas de lo que son las manifestaciones artísticas, cada uno piensa y relaciona esas ideas en base a lo que ha sido su experiencia y estudios, pero obviamente nadie tiene la verdad.

Por otro lado, aún estando en proceso creativo, donde todavía no existen certezas de cuál será el resultado final, resulta difícil entender el análisis de "obra" en estos momentos. Sin embargo, pienso que esta instancia fue importantísima, pocas veces uno tiene la oportunidad de discutir entre personas que trabajan en el territorio de la producción visual, acerca de los resultados que se han ido dando, o las ideas que tenemos a cerca de las investigaciones plásticas y me parece absolutamente necesario y productivo hacerlo.
Por eso había que celebrar después! jajaja

"Voy a aprender a llorar sin sufrir,
sin detenerme a mirar una flor,
a encallecer lentamente,
igual que la gente sin alma y sin voz.

Voy a entender que se puede morir
y latir... al compás del reloj,
como una máquina fiel,
igual que un robot... sin piel."

Acá les dejo un cortometraje de animación, después de todo lo que ha pasado en nuestro país, especialmente en la séptima y octava región, mas de alguno ha reflexionado sobre este tema. Creo que es mas interesante de lo que parece. Espero que lo disfruten!!

Aveces miro estos croquis que hice hace unos años atrás cuando estudiaba la figura humana en sus aspectos visuales, y me parece que la simpleza que lograba era mucho mas interesante que los dibujos que he hecho ultimamente, tal vez tanta elaboración no sea necesario... esque a veces siento que lo es y otras veces creo que no, al final no tengo idea cuál será la manera mas apropiada para mis necesidades...

Juan Downey es un artista visual; dibujante, pintor, instalador, grabador y uno de los pioneros del video arte, nació en Santiago el 11 de mayo de 1940 y murió en New York, el 9 de junio de 1993.

A mediados de los sesenta comienza un trabajo visual investigativo donde se refiere a las nuevas tecnologías dentro de un espacio que considera más allá de los museos, intentando relacionar al hombre con la naturaleza y sus posibilidades plásticas. Para ello trabaja con la cinética, tecnologías, ciencia ficción, máquinas híbridas con seres humanos y el tiempo diferido junto con la retroalimentación que se ver reflejado en el video arte. La idea era proponer a la tecnología de comunicación como Internet y la telefonía como una extensión del cuerpo, explorando para ello las conexiones entre hombre y máquina, reflejando a su vez, cierto pensamiento cibertópico de la época.

Por otro lado, se interesa por los choques culturales existentes en el mundo, especialmente los sufridos por él, ya que a inicios de su carrera viaja a París, luego a Nueva York y de ahí recorre varios países de América, que va almacenando en su cámara de video. Aquí es donde germina su interés por las culturas indígenas, con las que vivió algunos meses, siendo los Yanomamis los que le proporcionaron mayor interés y con los que vivió aproximadamente un año. Ahora bien, aquella vez, la obra consistió en 26 dibujos de la serie Meditaciones, realizados en la selva junto con un óleo, un fotomontaje realizado a un Yanomami, fotos de la tribu en situaciones cotidianas, trece videos y trece dibujos hechos a lápiz por los indígenas. Pero este material no era solamente expuesto en los museos sino también era presentado a las siguientes tribus con las que convivió Downey.

Si bien es cierto, en sus momentos de trabajo con los indígenas, el Artista debió proporcionarles herramientas para que ellos realizaran imágenes, entre los cuales se cuentan lápices, papeles y hasta su propia cámara, ya que ellos aún se encontraban en la edad de piedra cuando Downey llegó al lugar y debían familiarizarse con estos objetos y no sentirlos como una amenaza a su espíritu, con lo cual deja claro su interés por la pacifica comunión de culturas diferentes. ¿Pero esta interacción empírica genera espacios de reflexión en el espectador al momento de ver su obra? ¿Cuál es su espectador realmente, los Yanomamis o los distintos observadores que visitan los museos donde se expusieron sus trabajos? Si bien Downey se interesaba por los choques culturales, resulta difícil distinguir sus objetivos en el trabajo y saber a quién se dirige específicamente.

Para dar a entender mejor el cuestionamiento pondré de ejemplo a Alfredo Jaar y su obra “Luces en la ciudad” realizada el año 1999 en la localidad de Montreal, Canadá; la cual consistió en conectar 100.000 watts de luces rojas instaladas en la cúpula de un edificio visible desde buena parte de la ciudad a un interruptor situado en varios albergues para personas sin hogar, donde cada individuo que entraba y accionaba el interruptor encendía las luces por algunos segundos. De esta manera, los habitantes del lugar tomaban consciencia de la cantidad de personas en estado de abandono, lo cual no era común ver en las calles y por lo tanto invisible a la percepción humana, ya que su cultura se había encargado de ocultar esa realidad bajo el orden y limpieza que los caracterizaba. Ahora bien, para realizar esta obra, Jaar debió recorrer la ciudad, interactuar con sus habitantes, estar en constante estado de observación y análisis, similar al trabajo que Downey realiza con la cultura Yanomami. La diferencia importante entre ambos trabajos, es que Jaar identifica un fenómeno y una anomalía en su objeto de estudio y lo proyecta como problemática mediante los recursos plásticos para así generar un discurso y proporcionar estados reflexivos en el espectador, específicamente los habitantes del lugar en que se realizó la instalación.

Ahora, si pensamos en la obra de Downey, no se logra identificar una problemática en su objeto de estudio, que en este caso serían las culturas indígenas, tampoco alguna anomalía ni algún elemento que logre generar discurso por parte del artista, sino mas bien, su muestra aparece como una especie de documental relatado mediante diferentes recursos visuales como el dibujo, video arte o fotomontajes. Si bien, conocemos sus intenciones y obsesiones con la manipulación del espacio y tiempo mediante distintas fuentes de información que contienen su trabajo y también entendemos la relación de la naturaleza con la tecnología del hombre, su obra finalmente no logra transmitir sus inquietudes como artista, ni genera ideas concretas a cerca de su trabajo. Por otro lado, pareciera ser que los espectadores más conformes son su obra fueron los indígenas a los que se dio a conocer fotografías, videos y dibujos realizados por culturas similares a ellos, ya que de esa manera pudieron experimentar sensaciones y realidades que no tenían visualizadas de antemano y reflexionar sobre ello, como lo que ocurre con los habitantes Montreal al ver las luces rojas encender en su ciudad reflejando la crudeza de su significación.

El Autorretrato

"En apariencia, es lo mismo que el retrato. Pero, no es así. Mientras el retrato lo coge el pintor de afuera hacia adentro; el autorretrato viene de adentro hacia afuera, en una compleja visualidad perceptiva que debe anexarse al dibujo y al color. El autorretrato es un buceo en la interioridad, en cierta forma destapa la intimidad más dura. Es abrir la Caja de Pandora, lo que sólo a mí me pertenece. Es una forma de autodelación. Suelto las bestias que no morderán a los otros, te morderán a ti mismo. Desde luego: destapa los traumas, las carencias, la pobreza interior. Es ir voluntariamente al psicoanalista, tenderse en el viejo sofá de todas las inmundicias y permitir que el anciano sagrado de Freud termine preguntándote si quieres seguir viviendo, si la vida tiene algún sentido para ti. Tal vez, es mucha tu miseria y, no lo sabías."

CARLOS ESPINOSA GUERRA

La película está protagonizada por Keanu Reeves y dirigida por Richard Linklater, que utiliza la misma técnica que ya utilizó para su obra de culto Waking Life.

La película ha sido grabada en video digital de alta definición, para despues ser editada con la técnica de rotoscopia. La rotoscopia consiste en dibujar sobre la imagen real frame a frame, dotando de realismo a la animación resultante. Esta técnica no es innovadora, de hecho, en Blancanieves de Waltt Disney ya se utilizaba. Lo innovador es el software que se encarga de rotoscopiar, o por lo menos dar el efecto parecido, junto al equipo de ilustradores. Se llama Rotoshop, y es una creación del genial Bob Sabiston. Sabiston comenzó su carrera como animador en 1988 y ha creado varios cortos, algunos de ellos premiados. Uno de los más conocidos es SNACK AND DRINK, un cortometraje de tres minutos de duración sobre un niño autista en una tienda, que ahora es parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Trailer

Una historia de 17 minutos al más puro estilo hollywoodiense. Logorama es una película en la que, entre personajes, escenarios y objetos, aparecen más de 2.500 logos. El corto empieza a emitirse ahora después de 4 años de trabajo de H5.

Ludovic Houplain, fundador de este estudio francés, cuenta que con Logorama no pretendían hacer “una pieza artística”. La intención era crear una historia que “cualquiera pueda ver y disfrutar”.

Ganadora del premio Oscar 2009 como Mejor cortometraje de animación.

Bill Plympton es un animador norteamericano, conocido por su nominación al Oscar al mejor cortometraje animado en 1987 norteamericano llamado Your Face.

Sus dibujos y animaciones son como pequeñas píldoras por encima de los códigos sociales establecidos, un humor corrosivo y a vece un poco gore, pero siempre con elegancia y algo que a uno le intriga. Actualmente Plympton es uno de los animadores independientes más reconocidos del mundo.

Estuvo en Chile el año 2009 en el Festival de Cine de Valdivia, pero como siempre, su visita pasó desapercibido por muchos.

La banda de música más importante de toda la historia ya tiene juego. Como no podía ser de otra manera, los inmortales Beatles tienen su propia edición de "Rock Band"

El juego incluye una apertura y una clausura cinematográfica muy estilizadas, las cuales fueron construidas bajo la producción de Pete Candeland de Passion Pictures, con la ayuda del animador Robert Valley e imágenes de fondo de Alberto Mielgo. Candeland, quien es conocido por su trabajo de animación en los videos de Gorillaz, produjo también el video de apertura para las ediciones originales Rock Band y Rock Band 2.

Es una secuencia cinemática de unos 3 minutos de duración que combina el dibujo clásico estilizado (muy inglés y sofisticado) con el 3-D. El resultado es una pequeña joya visual que da lo mejor de sí en los instantes finales, cuando los temas de los Beatles desplegan su dosis de psicodélia post viaje a la India.

Jan Svankmajer es el nombre que más a menudo aparece al hablar del cine de muñecos, por ser el más original y el más influyente de cuantos han puesto sus manos en él. A diferencia del resto de sus colegas, Svankmajer no realiza personalmente todo el proceso sino que se limita a diseñarlo y deja a otros realizar la propia animación; es curioso que a pesar de esa importante diferencia, el respeto y la admiración por su obra del resto de autores sea tan grande: su apuesta por un mundo oscuro y áspero, donde la podredumbre es el decorado principal, con restos oxidados de la era industrial y paisajes en decadencia habitados por muñecos construidos por elementos reales: huesos, carne, madera podrida, animales disecados, esqueletos, máquinas obsoletas,... que viven historias siniestras y surrealistas, donde a veces participan personajes de actores reales.

Jan Svankmejer (conocido como Svankmajer por razones fonéticas) nació en Praga en 1934y se dedicó inicialmente al teatro, estudiando en la academia de arte escénico de la ciudad. De ahí pasó a convertirse en convertirse en artista gráfico y, como extensión a sus necesidades creativas, comenzó a hacer cine, pasando posteriormente a la animación. Su primera obra en este ámbito data de 1964 (El Ultimo Truco) y siguió produciendo año tras año (14 obras entre 1964 y 1972) hasta que fue obligado por el estado a dejar de filmar porque se habían dado cuenta, alertados por su creciente prestigio, de que los contenidos de sus obras eran más arriesgados de lo que estaban dispuestos a permitir. Esa prohibición duró hasta 1980, fecha en la que apareció "La Caída de la Casa Usher". Luego mantuvo su producción obra- por- año hasta 1983, cuando se dedicó a preparar "Alicia" (1988) creando un mundo de pesadilla que llevaría años después a la "pesadilla antes de Navidad" de Burton.

Contra todo pronóstico, sigue produciendo obras como si no pasaran los años. La más reciente, Silení, en 2005.

Para revisar sus cortometrajes pinche aquí.

Cómic realizado el año 2008.

Un hombre adormilado, en un parque en un día soleado, ignora lo que ocurre entre los habitantes más pequeños del parque que intentan fugarse con su Coca-Cola. La unión de fuerzas y talentos, y la creatividad colectiva de los pequeños habitantes les hará superar todos los obstáculos y poder disfrutar del irresistible sabor de Coca-Cola.

Es uno de los spots realizados para el mercado norteamericano de presentación del nuevo eslogan de la compañía, "Open Happiness" (Abre felicidad). Este cambio no supone una ruptura con la anterior estrategia de márketing de Coca-Cola. Es, en realidad, una evolución de "Coke side of life" (El lado Coca-Cola de la vida). Los nuevos anuncios siguen invitando al optimismo, la diversión y la felicidad, aunque se ha tratado de modernizar el mensaje.

Lo recomendable es verlo directamente desde Vimeo para experimentar los efectos especiales :) “And Then There Was Salsa”

Usted dira, que original me parece este video!! es simplemente un plagio de la canción Her Morning Elegance.

“Gran parte de los elementos que hoy conforman nuestro patrimonio cultural obedecen a parámetros definidos por la arbitrariedad cultural. Me parece importante identificar esta característica de los bienes que hoy llamamos patrimonio, ya que a partir de este reconocimiento es posible dilucidar aquellos mecanismos cuyas leyes de funcionamiento estable depende del desconocimiento”[1]. Es así como la preservación de los objetos y obras que integran el patrimonio nacional están sometidas a las condiciones culturales que tenga el país en cuestión, lo cual no siempre significa un resguardo de la envergadura que esto debiera tener, ya que no todas las naciones han experimentado un real avance en temas de conservación y restauración patrimonial. Por otro lado, cada uno de esos objetos y obras constituyen un aporte significativo a la identidad del país al que pertenecen, pese a las deficiencias que se tengan respecto a su óptima seguridad, por lo que muchos Estados reclaman hoy en día su “derecho” a devolución, cuando su patrimonio cultural se encuentra en territorios ajenos.

Por ejemplo el caso de Chile y los Moais extraídos de Isla de Pascua, Hoa Hakananai’a es uno de ellos y se considera de los más espectaculares. Es el más grande, hecho de basalto y el único con el dorso tatuado. Hoy descansa en el Museo Británico de Londres. “Como éste –cuya irónica traducción es “el amigo robado”– existen decenas de piezas pascuenses diseminadas por el mundo”[2]. Si bien es cierto, no se ha hecho ningún intento oficial de repatriación, lo más cercano ocurrió hace 20 años cuando el alcalde Pedro Edmundo Paoa tubo la idea de hacer una réplica exactamente igual a Hoa Hakananai’a, para intercambiarla posteriormente con el museo londinense, lo cual nunca se hizo efectivo y la réplica solamente llegó al frontis de la Municipalidad de Peñalolén en Santiago, donde se encuentra ubicada actualmente. Tal hecho genera ciertas interrogantes de acuerdo a lo que significa el patrimonio cultural para Chile y los esfuerzos gubernamentales que se han hecho para enfatizar en estos temas.

Veamos, durante el gobierno de Ricardo Lagos se promulga la ley 19.891, la que - aprobada por el congreso- da paso a la creación del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA). Este tiene como tarea primordial el promover un desarrollo cultural equitativo y pluralista entre los habitantes del país. A su vez estudia, evalúa y adopta, políticas culturales en pos del país. Dichas políticas necesitan una participación activa del Estado, por ende éste “tiene un papel insustituible, el que hace referencia a la conservación, preservación y difusión del patrimonio cultural, así como a la creación y promoción de las mejores condiciones posibles para que las expresiones artísticas y las manifestaciones culturales puedan surgir, difundirse y ser apreciadas por el público libre y espontáneamente”. [3] De esta forma el Estado debe tener una presencia dentro del ámbito cultural y velar para que ésta llegue a todos los sectores sociales del país (en cuanto a acceso, creación, participación y goce de la cultura).

Si bien es cierto, durante las dos últimas décadas, el aporte y la participación directa del Estado en temas culturales ha hecho posible que Chile haya experimentado un crecimiento substancial en lo que respecta a la cultura y conservación del patrimonio, hoy en día siguen habiendo museos y espacios culturales que necesitan urgente de la colaboración de museólogos y financiamiento estatal, ya que las condiciones en las que se encuentran son precarias. Es el caso de la Pinacoteca o Casa del Arte de la Universidad de Concepción, donde se encuentra una de las colecciones más importantes de pintura chilena existente en el país. Si bien es cierto, el departamento de extensión de la Universidad ha hecho algunas inversiones por mejorar las salas de esta Pinacoteca, resulta inevitable señalar que dichas inversiones son insuficientes para catalogar este espacio como un lugar en óptimas condiciones para albergar obras patrimoniales. A simple vista no presenta grandes deficiencias, pero luego de un análisis exhaustivo en cuanto a climatización y superficies es posible determinar una serie de situaciones que perjudican las obras a largo plazo. Una de esas situaciones consiste en el sistema de aire acondicionado que posee el lugar, el cual funciona solamente de día, lo que según el manual de “Habilitación y Administración de Espacios Para las Artes Visuales”[4] indica que es importante la estabilidad de la humedad relativa y la temperatura, por lo cual se hace dañino no poder mantener el aire acondicionado las 24 horas del día.

Otro ejemplo un poco más evidente de las deficiencias museográficas ocurre en el Museo Hualpén, ubicado en el Parque Pedro del Río Zañartu donde no es necesario ser experto para darse cuenta el mal estado en el que se encuentran sus objetos y el inmueble como tal. Solamente es necesario llegar a la puerta de entrada para sentir el intenso olor a humedad que emana de su interior, lo cual indica la grave condición ambiental que sufre el lugar y sus tesoros. Por otro lado es notable la necesidad de un guión museográfico ya que al recorrer el museo no se distingue ninguna línea, mas bien aparecen los objetos revueltos sin ningún sentido definido. Si bien es cierto, la Facultad de Arquitectura, Construcción y Diseño de la Universidad del Bío Bío ya ha realizado dos estudios financiados por el FONDART, para diagnosticar la situación real de la casona y su contenido, determinando que “se necesitaban alrededor de 300 millones de pesos para un proyecto de climatización y un cambio museográfico y de recuperación de todo el inmueble, incluyendo cambio de red eléctrica”[5] aún no es posible apreciar ningún fruto de dichos estudios ya que el museo cada día se deteriora mas y mas.

Ahora bien, tomando en cuenta que dentro del Museo Hualpén existen objetos sin estudios cabales de procedencia, como por ejemplo una armadura original de Samurai en pésimas condiciones que según trabajadoras del lugar indican haber recibido a japoneses interesados en recuperarla como patrimonio cultural, y que ellos mismos han solicitado y efectuado estudios para poder hacer una réplica exacta en su país, también es importante señalar el grado de responsabilidad que tiene Chile respecto a este tipo de objetos, por que lo que esta sucediendo aquí es una abatida situación de abandono patrimonial que afecta no sólo a nuestra nación sino además a su país de origen que sin duda podría ofrecer un mejor resguardo a este objeto. Otro caso es la momia egipcia que alberga el lugar, la que para muchos es el elemento más espectacular de los tres mil que hay en el recinto. El año 1881 fue traída a Chile desde Alejandría (Egipto) por el empresario Pedro del Río Zañartu en el primero de sus viajes que hizo por el mundo. “La momia llegó a Hualpén adentro de un clóset y de pie. Así estuvo por casi un siglo, hasta que en los años ochenta fue colocada al interior de la urna de vidrio en la que está actualmente protegida”[6]. El administrador del recinto indica que jamás se le ha hecho un estudio científico que determine la antigüedad exacta y la identidad del muerto, los únicos antecedentes que se tienen de ella, es que la persona momificada habría fallecido unos 600 años antes de la Era Cristiana y es una de las 3 de origen egipcio que se encuentra en el país, pero la única en exhibición.

Al pensar en estas situaciones, resulta paradójica la idea de recuperar patrimonio nacional albergado en el extranjero, como el caso de Hoa Hakananai’a, el moai exhibido en el Museo Británico de Londres, cuando aparece tan cuestionable la calidad de conservación que podríamos ofrecer como país a nuestros propios objetos. Chile, presentando un interés notable por la cultura, como el promulgado durante el gobierno de Ricardo Lagos, en el cual se dejaba en manifiesto que el país no se satisface solamente con experimentar un desarrollo económico o de las necesidades básicas del ser humano como lo es la educación y la salud, sino que le interesa además un “progreso auténticamente humano, o sea, buenos niveles de un tipo más exigente de desarrollo que se mide no sólo por indicadores económicos, sino por criterios que dependen también de la satisfacción de esas necesidades y expectativas más intangibles y profundas de la persona humana, que tienen que ver con la creación, acceso y goce de los bienes simbólicos que provienen del arte y la cultura de un país.” [7] Aún no ha demostrado el compromiso expuesto, reflejado en el estado de conservación de importantes piezas museográficas existentes en nuestro territorio como patrimonio nacional y de la humanidad, ¿Qué se espera para objetos que aún no pisan estas tierras?

Si bien es cierto, Chile no ha hecho todavía ningún intento oficial por la recuperación de los moais que actualmente se encuentran en el extranjero, pareciera ser que ha sido su manera mas consecuente de manifestar los problemas en el campo cultural, ya que es necesario primero que todo, establecer criterios reales y una conciencia patrimonial consistente respecto a los objetos que sí se encuentran albergados en nuestros museos actualmente, lo cual aún no se ha trabajado de la manera que se estimaría conveniente. Solamente se puede querer amparar objetos que no están en nuestro poder cuando se tiene una comprensión y responsabilidad substancial respecto a la importancia de la conservación y restauración del patrimonio que ya se posee, y no antes. De esta manera se hace imprescindible disponer de un gran interés por parte del estado para recuperar los espacios culturales que albergan obras y objetos importantes para la identidad de la nación, y así demostrar que esta en condiciones de pedir la devolución de cualquier elemento que le parezca pertinente.

“Las organizaciones regionales permiten un conocimiento detallado de la realidad de los museos en cada zona y de cada uno de aquellos aspectos que antes mencionamos como deficitarios, generando un flujo de información interno que se transforma en el eje para priorizar, planificar e implementar las líneas de acción”[8]. Así es como el gobierno de chile debe asumir su responsabilidad en el asunto y aprovechar las condiciones que ofrece el país en cuanto a organización para poder establecer adecuados procedimientos en pro de una mejor calidad cultural.

Daniela Figueroa Cuadra
Licenciada en Artes Visuales

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[1] ALEGRÍA, Luis: “Patrimonio Nacional: ¿De todos y para Todos?”, Artículos Museo Histórico Nacional, Publicado en www.sepiensa.cl, (06/07/2003).
[2] Artículo de La Nación, “!Devuelvan los moais!”, por Patricio Lascano, domingo 30 de abril del 2006.
[3] Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, “Chile quiere más cultura, Definiciones de política cultural 2005-2010”, Santiago, Chile, 2005. Pág. 13
[4] Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, “Habilitación y Administración de Espacios Para las Artes Visuales”, Santiago, Chile, 2005, Pág. 38.
[5] Artículo de El Sur, “Rescate del Museo Hualpén”, Tiempo Libre y Cultura, jueves 25 de agosto del 2005.
[6] Artículo de La Crónica, “Esta momia ya no quiere bailar”, por José Manuel Castillo, sábado 12 de mayo de 2007.
[7] Gobierno de Chile, “Política cultural del gobierno del presidente de la República señor Ricardo Lagos Escobar”, Santiago, 16 de mayo del 2000, Pág. 2.
[8] TRAMPE Alan: “Museos de Chile: una unión esperada”, Pág. 2


Bibliografía

• Artículos Museo Histórico Nacional “Patrimonio Nacional: ¿De todos y para Todos?”, por Luis Alegría, Publicado en www.sepiensa.cl, 6 de junio del 2003.


• Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, “Chile quiere más cultura, Definiciones de política cultural 2005-2010”, Santiago, Chile, 2005


• Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, “Habilitación y Administración de Espacios Para las Artes Visuales”, Santiago, Chile, 2005


• Gobierno de Chile, “Política cultural del gobierno del presidente de la República señor Ricardo Lagos Escobar”, Santiago, 16 de mayo del 2000


• TRAMPE Alan: “Museos de Chile: una unión esperada”, Subdirección de Museos.


• Artículo de El Sur, “Rescate del Museo Hualpén”, Tiempo Libre y Cultura, jueves 25 de agosto del 2005.


• Artículo de La Nación, “!Devuelvan los moais!”, por Patricio Lascano, domingo 30 de abril del 2006.


• Artículo de La Crónica, “Esta momia ya no quiere bailar”, por José Manuel Castillo, sábado 12 de mayo de 2007.

Flickr de este Ilustrador que me gusta mucho.

stop motion! from karim boubker on Vimeo.

Acrílico sobre tela
100 x 120 cms
2009

Se manifestó mediante los recursos de las Artes Visuales y el análisis teórico, que la época contemporánea no se presenta como un flujo único de elementos, donde la realidad humana carece de libertad, sino que, todo lo que ha vivido el hombre a lo largo de su existencia como especie, lo ha llevado hoy en día, a comprender la realidad como un aglutinamiento de ideas legítimas entre sí, y que proporcionan a cada uno de los grupos sociales el sustento necesario para comprenderse a sí mismos en el momento histórico al que pertenecen.

Si bien, a lo largo de la historia las distintas culturas se han visto amenazadas y necesariamente los paradigmas se han ido modificando, causando drásticos cambios en las concepciones de la realidad y dejando muchas veces al hombre desposeído de todo fundamento vital lo cual lo ha llevado a la angustia existencial y a lo caótico, no se debe mirar todo esto como algo negativo. La sociedad tiene la oportunidad de mejorar cada vez que estas rupturas aparecen, y ha sido de esta forma como el hombre ha ido alcanzando los distintos grados de desarrollo espiritual, intelectual, científico, social, religioso y artístico. Por lo cual estos desfondamientos, finalmente nos parece una bondad.

De todas maneras, la propuesta visual presentada en este informe hace alusión a estas ideas de concepción de realidades, donde la incertidumbre se hace presente como uno de los elementos significativos del momento histórico al que pertenecemos. Justamente se trata de mostrar una tensión hacia la raíz de lo que sería el proceso creacionista, donde encontramos una composición de agenciamientos enunciativos, es decir, la convivencia de ideas que no siempre son de una misma naturaleza, como por ejemplo encontrar lo activo y lo pasivo como posibilidad de conjunto. Como expresa Guattari en su texto “El nuevo Paradigma Estético”: “Esta tensión no es de ninguna manera congelada, catatónica o abstracta, como la de los monoteísmos capitalísticos, sino que está animada de un creacionismo mutante, siempre en proceso de reinventarse y también siempre a un paso perderse.” Es decir, el proceso creativo comporta ideas interactivas, que pretenden combinar flujos para engendrar la obra, los que proponen un estado de incertidumbre y tensión.

La idea es sostener que los universos de valor que alimentan las propuestas estéticas, se encuentran abiertos a los campos de interacción más diversos, donde los elementos que menos podrían encontrarse, se relacionan directamente. Es lo que sucede con las 4 pinturas que propone este trabajo, donde la realidad plástica se encuentra contenida entre la interacción de una formalidad modelada en contacto con otra de origen modular.

La obra en sí nos muestra escenas de personajes en momentos cotidianos, donde todo parece ser ficticio; ropas, objetos, espacios, etc. Pero la piel es real, ella nos hace pensar que todo lo demás es finalmente una construcción del hombre, la imaginación llevada a un punto extremo, donde cada cosa existente no es más que producto de nuestra propia creación. La cultura nos pertenece por que nosotros somos sus productores, y no al revés. Lo que realmente vive es nuestro ser, el espíritu que nos conduce a inventar el mundo y que en la obra se muestra a través de la piel de los personajes. Por otro lado, entre las escenas cotidianas aparece la de una mujer leyendo la Biblia, lo que permite cuestionar ideas nihilistas inevitablemente, ya que si sus creencias aparecen como parte de una realidad imaginada, tal como todas las otras cosas que aparecen en el resto de las pinturas, no existe razón para rechazarla.

Es así como la propuesta plástica de esta obra titulada “Agenciamiento Estético” evidencia una suerte de confrontación entre dos recursos del lenguaje visual, originado por reflexiones en torno a la realidad que circula a lo largo de la historia y que reaparece en lo cotidiano. De esta manera, es posible comprender que nuestra realidad no se articula en la superficie de las cosas, sino además en la relación con elementos inmersos en las profundidades del ser.

Daniela Figueroa Cuadra
Licenciada en Artes Visuales

Acrílico sobre tela
100 x 120 cms
2009

Acrílico sobre tela
100 x 120 cms
2009

Acrílico sobre tela
100 x 120 cms
2009